jueves, 18 de marzo de 2021
martes, 6 de octubre de 2020
Los cinco pares de principios de Wölfflin
Los cinco pares de principios de Wölfflin
Wölfflin
asume su “formalismo” como historiador del arte en el sentido de que su
primera tarea es el análisis de la “forma visible”. En el arte hay una evolución interna de las formas. Como todo es
forma en las artes plásticas, el análisis formal “captará necesariamente el
elemento espiritual”: − la
imaginación de quien las crea, −
la evolución, ̶ el carácter
del artista, ̶ la estructura
social y espiritual de la época, que no se dejan de lado. Por tanto, se superponen
dos niveles: el formal -prioritario- que es ámbito del “estilo” y
el nivel del significado que da cuenta del cambio de mentalidad y
sensibilidad de la época.
Renacimiento
y Barroco son dos períodos que manifiestan una evolución repitiéndose a lo
largo de la historia del arte.
El
arte griego, el Renacimiento y el Neoclasicismo corresponderían a lo clásico.
En las tres épocas hay una sensibilidad especial para con la forma que luego
será abandonada por otros valores de tipo “atmosféricos”. La empatía en tanto
armonía entre nuestro cuerpo y la obra de arte del Renacimiento, el arte de la
belleza apacible, cede ante el sentimiento violento del Barroco, que recurre a
la emoción para conmover y subyugar.
Wölfflin desarrolla su sistema apoyado en
cinco pares de conceptos, de los que cada uno contrapone un rasgo
renacentista a otro barroco, y que, con la excepción de una sola de estas antinomias,
señalan la misma tendencia evolutiva de una concepción artística a otra más
libre.
Las
categorías de la visión o los cinco pares
de conceptos fundamentales son:
1ª.- Lineal y pictórica.
2ª.- Superficie y profundidad.
3ª.- Forma cerrada y forma abierta
4ª.- Claridad y falta de claridad
5ª.- Variedad y unidad.
1ª.-Lineal y pictórica.
Por un lado, lo
lineal supone la definición clara de los límites de las figuras,
interviniendo allí distintos aspectos como la luz, el tipo de pincelada, las
relaciones entre los colores. En la división precisa y delimitada está la
belleza. Predomina el dibujo.
Lo pictórico, por
su lado, implica la disolución de la línea, del límite, de los contornos, en la
búsqueda de lo ilimitado, infinito; esto se logra a través de pinceladas
rápidas -logran vincular las partes dibujadas-, la diferenciación lumínica a
través de un único foco de luz, la combinación de colores con bajo contraste
que permite acentuar y dar unidad a las partes. Predomina la pintura.
En lo pictórico
está la disolución de la forma plástica y lineal, pasando pues a algo movido,
palpitante e inaprensible; en lo pictórico se borran los límites y
contornos para dar la impresión de lo ilimitado, inconmensurable e infinito; en
lo pictórico se produce la transformación del ser personalmente rígido y
objetivo en un devenir, una función, un intercambio entre sujeto y objeto. Esta
es la concepción wölffliniana del Barroco.
Clásico / lineal |
Pictórico |
“Ve en líneas”. La línea como cauce y guía. |
“Ve en masas”. Desestimación paulatina de la línea. |
Se concentra en el contorno, las formas. |
Se concentra en la impresión. Renuncia al dibujo palpable. |
La luz posa sobre la forma y la cubre parcialmente. |
La luz no se ajusta a la forma del objeto |
Seguridad: las cosas como son. La cosa y la representación son idénticas. |
Apariencia de realidad. Vaga apariencia. Representa el mundo en cuanto visto |
Hasta el límite del objeto |
Desborde, hacia lo ilimitado. |
La visión aísla las cosas: los objetos físicos con sus valores
concretos. |
La retina hacia el conjunto: se interpreta lo visible en su
totalidad. |
Se prefiere la figura firme y precisa. |
Se prefiere el fenómeno cambiante |
La forma permanente, limitada. |
El movimiento, y la forma en función del movimiento. |
Las cosas por sí. |
Las cosas dentro de su conexión. |
2ª.- Superficie y
profundidad (visión de superficie o visión de profundidad)
Se entiende por superficie
o superficial, en el arte clásico, a la organización de planos representativos,
es decir, disposición en planos o capas las distintas partes que integran el
conjunto formal, mostrando, por un lado, la condición coplanar de las jerarquías
sociales análogas y por otro lado el horror a la pérdida del punto de
fuga.
En cambio, la profundidad, la tendencia desde el inicio hasta el
fondo expresa el mismo sentido dinámico de la vida, la misma resistencia contra
lo permanente y contra todo lo fijado de una vez para siempre, contra lo
delimitado; con ello el espacio es algo que se va haciendo, como una función.
El medio preferido por el Barroco para hacer sensible la
profundidad espacial es el empleo de primeros planos demasiado grandes, de figuras
que se acercan al espectador, y de la brusca disminución en perspectiva de los
temas de fondo. El espacio gana carácter por su movimiento, sino que el
espectador se siente que la espacialidad es una forma de existencia dependiente
de él y por él creada.
Los medios representativos para
expresar el volumen de los cuerpos y la profundidad espacial son la dirección
de la luz, el reparto de los colores y la perspectiva utilizada en el dibujo,
además de los marcos y los bastidores.
Clásico / superficie |
Profundidad |
Dispone en planos o capas las distintas
partes que integran el conjunto formal. La representación de la profundidad sobre
un plano, la que se logra mediante planos superpuestos que van llevando al
ojo hacia el fondo de la escena. Se distinguen los sucesivos planos que
llevan hacia las partes más alejadas, así esa yuxtaposición plana es la forma
de mayor legibilidad |
Acentúa la relación sucesiva de fondo a una
grandeza o viceversa. En las obras del Barroco los múltiples
personajes se agrupan de modo que la profundidad se va dando gradualmente. Las
figuras se entremezclan y la luz contribuye a crear esa sensación de indeterminación
de cada uno de los planos en que podría descomponerse la escena. |
Valoración del contorno y del plano |
Desvalorización del contorno trae consigo
la desvalorización del plano |
Organiza el espacio: delante y detrás |
La vista organiza las cosas en el sentido
de anteriores y posteriores |
Manejo del escorzo y la perspectiva de punto
fijo, los objetos representados se disponen en planos o capas. |
Manejo del escorzo y la
perspectiva de punto fijo, los objetos acentúan la unidad espacial en
profundidad. |
Profundidad: El espacio por capas |
Profundidad: El espacio como movimiento
unificado. |
3ª.- Forma cerrada y forma abierta
El tercero de estos
pares de categorías, quizá sea el más fácil de reconocer o el que se ha
transformado en el más conocido. Nos referimos a lo que Wölfflin llama forma
cerrada y forma abierta.
La forma cerrada
implica un equilibrio armónico donde todas las figuras se cierran entorno
a un centro simbólico-temático; desde este punto de vista, el marco del
cuadro constituye un límite omnipresente, y toda la representación transmite
estabilidad y equilibrio, así como una unidad de mensaje.
En una composición
cerrada, “clásica”, lo representado es un fenómeno limitado en sí mismo,
cuyos elementos están todos enlazados entre sí y referidos unos a otros; en
este aspecto nada parece ser superfluo, ni tampoco faltar.
Podríamos caracterizar a
las producciones barrocas como “la relajación de las reglas y del
rigor tectónico”, produciendo un efecto más o menos incompleto e inconexo, es
decir, las representaciones pueden ser continuadas por todas partes y se
desbordan de sí mismas, perdiéndose, por tanto, la idea de estabilidad,
de equilibrio y de simetría que expresan las horizontales y las verticales. Como
trasfondo filosófico, podríamos decir que el cuadro parece representar un espectáculo
transitorio y no un trozo del mundo en sí mismo.
“En la forma
cerrada (…) todas las figuras están equilibradas dentro del marco del cuadro.
La composición está basada en líneas verticales y horizontales (…). La pintura
está totalmente autocontenida. La forma cerrada transmite una impresión de
estabilidad y de equilibrio, y se observa una tendencia hacia la disposición
simétrica (…). En la forma abierta (…) las figuras no están simplemente
contenidas dentro del marco; éste las corta por los lados. Hay una sensación de
espacio ilimitado fluyendo más allá de los límites del cuadro. La composición
es más dinámica que estática, sugiere movimiento (…)”. (1985: 91-92)
Forma abierta |
|
Lo absoluto. |
Lo relativo |
Lo más estricto |
Lo más libre |
Composiciones tectónicas que provocan el efecto
de completo y conectado |
Composiciones atectónicas que provocan el
efecto de incompleto e inconexo. |
Firme y estable: las horizontales y
verticales marcan el equilibrio y simetría
┐ |
Conmoción: donde todo parece
casual, marcan lo efímero, lo imprevisto y la improvisación ┐ |
Superficies ajustadas al marco |
Superficies no ajustadas al marco |
4ª.- Claridad y falta
de claridad
Lo claro y lo
indistinto. Muchas veces este punto no se suele tomar en cuenta, ya que el
propio Wölfflin lo relaciona con los conceptos de lineal y pictórico. Simplemente
diremos que la época clásica tiene un ideal de claridad perfecta y que el
Barroco abandona voluntariamente, porque la claridad del motivo ya no
es el fin último del arte. De ahí que exista un continuo despliegue de lo
sencillo a lo complicado, de lo claro a lo menos claro, de lo manifiesto a lo
oculto y vedado. Diremos que en el Barroco se producen las violentas
superposiciones, diferencias de tamaño en desproporcionada perspectiva, el abandono
de las líneas de orientación.
Clásico / claridad tiene que ver con ┐ |
Falta de claridad tiene que ver con ┐ |
Lo sencillo Lo manifiesto |
Lo complicado Lo oculto y vedado |
Intención artística |
|
Previsto |
Imprevisto |
Superposiciones |
|
Claras |
Violentas |
Perspectiva |
|
Los marcos indican la línea de orientación |
Abandono de las líneas de orientación |
Materia pictórica |
|
Continuidad |
Discontinuidad |
Despertar en el espectador |
|
Limitado, momentáneo Lo acordado Son así. Debe ser así. |
Inagotabilidad Incomprensión Intencionalidad de la representación |
La imagen |
|
Belleza unida a la manifestación de
la forma. Imagen formal, clara. Precisión |
Belleza en la oscuridad que deforma
la forma. Imprecisión (desaparece el máximo de
nitidez objetiva). |
5ª.- Pluralidad y unidad (multiplicidad
o unidad).
La pluralidad o variedad
y unidad. La pluralidad aquí se entiende como “suma de partes”,
es decir, se refiere a la existencia de distintas o múltiples unidades de
representación (personajes, por ejemplo), perfectamente determinadas y con un
grado considerable de autonomía; pero, en palabras de Wölfflin, “En el sistema
de ensamble clásico cada componente defiende su autonomía a pesar de lo
trabajado del conjunto”.
La unidad, en cambio,
refiere al fuerte vínculo formal que se establece entre las
unidades de representación, impidiendo que los detalles tengan sentido
en sí mismos o por sí solos. En este sentido unidad significa integración
de las partes, formando entre sí un todo absoluto. En la unidad se expresa
una acreditada voluntad de síntesis, y con ello un principio más estricto de la
composición.
Cuidado, pues por lógica
la inclinación a lo pictórico, a lo esencialmente profundo, atectónico y no
claro está más ligada a la pluralidad, a lo vario, pues no, porque el Barroco
muestra casi por todas partes en sus creaciones la voluntad de síntesis y de
subordinación. La relativa autonomía de las partes desaparece en el Barroco.
En el arte del Renacimiento
la unidad es simplemente una coherencia lógica, y la totalidad de sus
representaciones era nada más que un agregado o una suma de pormenores en la
que todavía se podían reconocer los distintos componentes.
En Leonardo o Rafael los
elementos se pueden gozar aislados, en Rubens o Rembrandt ningún detalle tiene
sentido por sí mismo.
Wölfflin, Heinrich. (1952).
Conceptos fundamentales de la Historia del Arte. Madrid: Espasa-Calpe,
3ª edición. Edición de la editorial Austral en 2014.
jueves, 19 de marzo de 2020
PAISAJE VEGETAL DE LAS ISLAS CANARIAS
PAISAJE VEGETAL MACARONÉSICO
PISO BASAL, desde el nivel del mar hasta los 300-500 metros, está marcado por la aridez.
Cardón. Cardonal
Tabaiba
Sabinas
Jaras
PISO INTERMEDIO, entre los 500-800 metros.
Palmeras.
Sabinas
Dragos
PISO TERMOCANARIO, entre los 800 y los 1.200 metros
Bosque de la Laurisilva
Fayal-brezal
Bosque de coníferas, pino canario
Cedro canario
Codeso, Adenacarpus foliolosus
PISO SUPRACANARIO, por encima de los 2.200 metros, solo presente en las islas de Tenerife y de La Palma.
Retamas
Tajinaste rojo
Codeso
Violetas del Teide
Climodiagrama
Cliserie
Mayores alturas por islas
jueves, 27 de febrero de 2020
PAISAJE VEGETAL DE MONTAÑA
A.- PISO BASAL Y MONTANO
Ver paisaje vegetal mediterráneo
o
Ver paisaje vegetal oceánico
Bosque mixto de robles y abetos, con coníferas en piso montano
Bosque mixto de hayas y abetos
B.- PISO SUBALPINO, entre los 2.400 y los 3.000 metros
Bosque
Bosque de abetos
Pino silvestre
Sotobosque
Rododendro
Arándano
Prado
Vegetación rupícola
D.- PISO NIVAL, por encima de los 3.000 metros.
PAISAJE VEGETAL DE MONTAÑA PENINSULAR
NO ALPINA.
A.- PISO BASAL
Ver paisaje vegetal mediterráneo
o
Ver paisaje vegetal oceánico
B.- PISO MONTANO
Pino silvestre
C.- PISO SUPRAFORESTAL
b.- Zona mediterránea
D.- CIMA
a.- Zona atlántica
b.- Zona mediterránea
CLISERIE, Pirineos